Bruce MacEvoy

 

"what i love about otto's work is the sensuality in his light and mass. the paintings on his home page are distinctly not photographic. he is carried away by color; he describes the shapes as if painting with his tongue; he longs to smell and taste the fruit he is painting; there is a gentle reverence in the simplicity and intensity of the presentation (composition). he is alive, and you feel it."

 

Flavio Arensi

PATH AND INTUITION
“One of the paths to the understanding of the order of reality is through faith”
Werner Heisenberg

The sound of the sky rubbing against the ground may be discovered in the crackling of a leaf The essence of our living may be found in the intense red of a berry. It could happen, it would be luck to our soul, it would show how reality is not restricted to detailed description, but intersects, even injures and annuls all planes of our existence of others, of the world itself. The conscious emotion of such a wide and boundless logic can discourage (sometimes), pressing on the chest and taking away one’s breath. A universal sigh, joined to the fragrant breath of the entire cosmos. Once again, in these past decades, one talks about the cosmos once more, finding anew the path lost centuries ago. This is not to say that Ottorino De Lucchi paints the sidereal aspect of night, he puts forward a delicate painting which culminates with a thought, which through matter, dissolves it to give it back as dust, from which his still lives emerge, still lives which contain the feeling of the intimate, the secret voice that each human being save deep within the heart. The scene therefore begins a new performing state, displaying not so much the subject portrayed, but Ottorino De Lucchi himself, just as Ottorino De Lucchi appears before getting fully undressed. Modesty prevail however, and this is the very secret of these paintings.
Having settled the debt with Luciano Ventrone, a different mental finality can be perceived in these watercolours, an approach which differs from everyday liturgy on physical matter. As Ventrone tries to amaze, De Lucchi fears the astounding din and enjoys a mystical silence that is light, pure Light. It proves hard to explain how it might set out as a feeble and harmonious sound in relation to the highest sphere of the universe, as it remains a matter of perception and not one of rationality. It would be logical to half close one’s eyes to get the feeling (rocking the head slowly in time to the music in one’s mind) and to follow the flute of Prince Tamin into the narrow fairy regions of our own inventiveness: enchanted lands, and as such plausible before our conscience, the creative magic of Art is enough to transform a banal tale, a dull one, into enthralling proof of the sublime. Without wonder, there would be no poetry, it would not be possible to interpret what it seen, nor absorb it. From this one wonders what are the aims that sustaint he dry brushes of Ottorino De Lucchi, without standing before the exact and confabulatory language, but turning one’s sight upon the serene metaphysical which vibrates in the composition. He reminds us of the shills of Amanuensis who, aware of cosmic rules, uses in his work, the whole firmament, translating infinite themes into the finest of performances. Here the vault of Heaven vanishes behind the black blanket of the background from which the actors of a subjected pièce emerge, as spiritual as any work born from intuition.
A plain flower, a fruit, the sliding luminescence and absolute emptiness all around. The tale unfolds with easily achieved elements, readily recognised and then it turns to lyric, with a sensation of veils and breaths. Removing one by one the veils that conceal the sense of the depicted subject, and thus emphasising the aspects of style which are not secondary, would mean to rediscover the aims of an existential philosophy transcending the actual item. De Lucchi flies high, although unwilling to disregard the tradition of good painting, of watercolour as a polite form of discussion. Nonetheless, the expressive quality does not play the role of curtain, beside and beyond which, the actors rehearse their assigned roles. Therefore there is no temptation, not even for a moment, to
perceive this technique as the son of photography or to loose the essence inspired by the hyperealistic attempt, so totally distinctive. It becomes impossible to miss a slight human imperfection in these paintings, a whisper of our limitations, which is the artistic act itself. Such defects pushed man to build Chartres, defects that make daguerreotypes, half demonian, half genial apparatus acceptable. De Lucchi measures the terrestrial environment with the senses, and then employs ideal paraphrases to identify the essence of truth. Such an animistic truth leads to dynamic thinking and does not dwell statically on the appearance of the object. He illustrates the interconnections which influence and sustain reality. Although explicit, they are governed by immutable rules: questions addressed to nature are transformed into metaphoric answers, rising above the detailed appearance, they depict the mood of the spirit more than that of the body. Two rules prevail for understanding matter: to savour them in the essence. or to study them from a privileged observatory. De Lucchi proposes both opportunities, without preference or rather, leaving the observer with the task of identifying the planes which are represented.
His reflections are thoughts directed to an unknown addressee. Letters forwarded to himself to draft the report of the introspective pilgrimage. Not existing would eliminate any problems. Not existing would be a drastic solution, enacted daily as a defence against society. The painter's studio becomes a refuge. A. refuge where one stops periodically to exist, a place to experience an artificial existence. Outside social mechanisms keep going, whilst inside, in such a favoured place, creation stops for a moment, exposing itself fully. Peace and oblivion are required; forget cities, sounds, voices. Indeed, to return to remember: to remember the gentle crackling of a withered leaf, to remember the essence of existence, to, remember the rubbing of the sky (of its Creator) against our shoulders.

Carate, June - July 2002

IL CAMMINO E L INTUIZIONE
“Una delle vie all'ordinamento della realtà passa attraverso la fede”
Werner Heisenberg

Può accadere di scoprire nello scricchiolio tenue di una foglia il rumore del cielo che strofina contro la terra. Può accadere di trovare nel rosso acceso di una bacca I'essenza del nostro vivere. Può accadere; sarebbe una fortuna per I'animo; dimostrerebbe come la realtà non si racchiuda soltanto nel resoconto minuzioso, ma intersechi, persino ferisca e annulli, tutti i piani della nostra esistenza, finanche quella degli altri, del mondo stesso. La consapevole emozione di una logica talmente vasta e illimitata da scoraggiare (a volte), preme sul petto togliendo il fiato. Un respiro di fatto globale, unito al respiro fragrante dell'intero cosmo. E finalmente, negli ultimi decenni, si è tornato a parlare di Cosmo, ritrovando il sentiero abbandonato secoli or sono. Non che Ottorino De Lucchi dipinga gli spazi siderali della nostra notte, bensì oppone alla pittura delicata e colma un pensiero che attraversa la materia, sciogliendola per risarcire polvere; con questa polvere tratteggia le sue nature morte, contenenti il sentito dell’intimo, la voce recondita che ogni essere vivente conserva nel profondo. La scena allora comincia una nuova condizione interpretativa, motivando non tanto il soggetto ritratto ma Ottorino De Lucchi, così come Ottorino De Lucchi appare, poco prima di svestirsi integralmente. Nondimeno vige ancora il pudore, che è il segreto di questi dipinti.
Pagato il debito a Luciano Ventrone, negli acquerelli si percepisce una diversa finalità mentale, un approccio dissimile alla liturgia quotidiana della fisicità. Ventrone cerca di stupire, De Lucchi teme il frastuono dello sbalordimento, e gode d'un silenzio mistico che è luce, pura Luce. Risulta difficile spiegare come possa enunciarsi un suono flebile e armonioso, in relazione colle sfere maggiori dell'Universo, penetrante fin dentro queste pitture, siccome resta affare di percezione più che di raziocinio. Sarebbe logico socchiudere gli occhi per percepire il turbamento (dondolando un poco per assecondare la musicai n testa),e seguire il flauto del principe Tamino nelle auguste regioni fiabesche della nostra inventiva: terre incantate, perciò credibili al cospetto della nostra coscienza; basta la magia creativa dell'arte a trasformare un racconto banale o qualunque nell'avvincente testimonianza del Sublime. Senza meraviglia non esisterebbe poesia, non si potrebbe interpretare il veduto, non si potrebbe introiettarlo. Ora viene da chiedersi quale intento sostenga i drybrush di De Lucchi, senza tuttavia sostare eccessivamente a lungo di fronte al linguaggio esatto e fabulatorio, ma voltando lo sguardo in direzione della quiete metafisica che vibra in ogni accenno compositivo. Egli ricorda la perizia dell'amanuense che, conosciute le regole cosmiche, impiega nel proprio lavoro l'interezza del firmamento trasportandone i motivi infiniti nella più piccola realizzazione. In effetti, qui Ia volta celeste sparisce dietro la coltre nera del fondo, da cui sovente erompono gli attori di una pièce soggettiva, spirituale come tutte le opere d'intuito.
Un fiore, un frutto, Ia luminescenza radente e l'assoluto vuoto dell'intorno. La narrazione si costruisce di elementi presto conseguiti, facilmente identificabili, poi si trasforma in lirica, in sensazione di veli e soffi. Togliere uno alla volta i conopei che nascondono il senso del rappresentato, privilegiando invece I'aspetto stilistico, affatto secondario ora, significherebbe rinvenire i propositi di una filosofia esistenziale che trascende il dato effettivo. De Lucchi vola a quote alte, pur non volendo trascurare Ia tradizione della buona pittura, dell'acquarello come forma garbata di discussione; eppure, la qualità espressiva non detiene che il ruolo del sipario, oltre il quale -dietro il quale - gli attori già provano la parte loro assegnata. Dunque, non avviene neppure per un attimo il tentativo di credere questa tecnica figlia della fotografia, o di perderne la sostanza ispirata nella pretesa iperrealista, totalmente distinta. Diviene impossibile non rintracciare in questi quadri un punto d'imperfezione umana, il sibilo della nostra finitezza, che è appunto l'operare artistico. Sono i difetti che hanno sospinto l'uomo a costruire Chartres, gli stessi difetti che rendono accettabili i dagherrotipi, apparecchi sospesi fra demonia e genialità. De Lucchi misura I'ambito mondano attraverso i sensi, ma poi predispone alla parafrasi ideale affinché si distingua I'Esatto dal Vero. Questa verità animica conduce al dinamismo del pensiero e non si sofferma staticamente sull'oggetto come appare. Egli dimostra le interconnessioni che influenzano e sostengono il reale, benché univoche, compiutamente governate dalle leggi immutabili: le domande rivolte alla natura si trasformano in risposte metaforiche travalicanti l'aspetto particolare; esse descrivono lo stato di un anima anziché quello del corpo. Sussistono due criteri per intendere le cose: assaporarle nell'essenza oppure studiarle da un osservatorio privilegiato. De Lucchi propone entrambe le opportunità, senza preferirne una all'altra, o meglio lasciando allo spettatore il compito di individuare i piani rappresentativi.
Le sue annotazioni pittoriche sono meditazioni dirette ad un destinatario sconosciuto. Lettere inoltrate a se stessi per stilare il resoconto del pellegrinaggio introspettivo. Non esistere eliminerebbe qualsiasi problema. Non esistere rimane una soluzione drastica, operata quotidianamente come difesa opposta alla società. Lo studio del pittore diventa un ritiro nel quale cessare- periodicamente- di esistere, il luogo della finta inesistenza. All'esterno i meccanismi sociali proseguono, mentre all'interno, in quest’andito prediletto, il Creato si ferma per qualche istante offrendosi appieno. Serve pace e dimenticanza: dimenticare le città, dimenticare le voci, dimenticare i brusii. Tornare, ebbene, a ricordare: ricordare il cricchio di una foglia secca, ricordare il senso dell'esistenza, ricordare lo sfregolio del cielo (del suo Creatore) contro le nostre spalle.

Carate, giugno-luglio 2002


Molteplici echi del passato per maturare una accurata riflessione sull’arte del presente
L’iperrealismo sensuale di De Lucchi
Una forte carica emozionale emana dalle opere dell’artista esposte a “L’Incontro”

Tiziana Cardani

A certe mostre non ci vai perché devi ma già mentre sei a casa ti prende la curiosità, avverti un senso di aspettativa, qualcosa che ti fa sentire coinvolto dal momento in cui hai deciso di andare in galleria, là dove ti chiama l’invito che hai ricevuto. Talora resti deluso, talaltra, ti si para dinnanzi la conferma che cercavi: in un momento come l’attuale, nel quale sempre più mi interrogo sulla persistenza del concetto di arte in cui vado verificando le buone ragioni di chi fa quell’ ”altro” che io chiamo “prodotto artistico” o “esperienza estetica” e che molti, per lucro, per interesse chiamano, appunto, “arte”, mi conforta l’incontro con il “ben fare” posto al servizio dello spirito. Quando le ricchezze della tecnica sono utilizzate per esprimere lo spirito di una civiltà, l’anima dell’artista ma anche quella di chi si pone come fruitore, quando l’oggetto dell’arte è pieno, di pensiero, di riflessione, di spiritualità, quando dà corpo ai valori in cui ci si riconosce, allora io riconosco che l’arte è presente e mi riconforto. Questo mi accade, non spesso ma, per fortuna, molto più frequentemente di quanto non si possa supporre, indipendentemente dal linguaggio prescelto dall’autore, benché più facilmente ciò accada in presenza di opere in cui non sia stata espulsa completamente la componente reale, comunque interpretata. Con questo spirito, mi sono accostata alla mostra personale del pittore Ottorino De Lucchi ospitata con signorile eleganza nello spazio della Galleria “L’Incontro” di corso Garibaldi. Troppo facilmente identificabile nel filone iperrealista, la pittura di De Lucchi ti pare possedere spessori maggiori, finezze esecutive di più profondo sentire: il soggetto sembra offrirsi in una dimensione spaziale del tutto astratta, isolato in una sorta di vuoto, di buio raggelato, impermeabile alla luce. Quest’ultima non proviene da fonti esterne bensì promana dall’interno, permea di un lucore tralucente la “pelle” del colore entro la quale sono disegnate e profilate le cose che compongono la realtà di De Lucchi. Come nelle più antiche esperienze di natura morta, lo sfondo oscuro isola la composizione e ne allarga il respiro a una dimensione estranea al tempo e allo spazio, la allontana dalle contingenze del momento e le consente di esprimere ciò che appartiene alla universalità dell’umano. Una serenità assorta, una severità contemperata di riflessione, una consapevolezza appena un po’ malinconica circolano nelle nature in posa, tra gli oggetti quotidiani e come uno spolverio sottile si posano sui panni bianchi, lambendo i colori caldi e solari che punteggiano, in un forte e suasivo contrasto cromatico, le composizioni dell’artista. Particolarmente felici appaiono le costruite apparizioni al proscenio di un piano, una tavola, una linda tovaglia: fiori, frutta, alzate e coppe assomigliano ad attori in piedi per la presentazione al pubblico, ma la freddezza che talvolta si accomuna alla scelta di un realismo assoluto non è presente nella pittura di De Lucchi, nella quale, al contrario, sembra vibrare una carica di emozione, un partecipato lirismo ed una sensualità appena trattenuta che intride di sé colore e luce. Non soltanto le calibrate composizioni di oggetti consentono di rilevare questa sensualità espressiva, poiché appare schiettamente anche, e ancor più, nei delicati ritratti, volti nei quali la bravura dell’artista nel maneggiare i colorii e nel dosare gli effetti creati dalla sua tecnica raffinata e particolare (si tratta di un uso originale dei colori ad acquarello utilizzati in scarsità di acqua, il drybrush) diviene mezzo e mediazione ad una sensibile lettura del reale. Il tratto delicato, la corposità delle stesure e delle sovrapposizioni di colore, il sagace utilizzo delle luci che sfumano le ombre e abbracciano le cose, la ricchezza di una tavolozza che riesce spesso a sorprendere piacevolmente, non fanno tuttavia dimenticare la profondità di una metafora antica e pur sempre attuale, ne la cultura ad essa collegata, sottolineando la fragilità e l’essenzialità di una realtà che, quando vi siamo immersi, ci appare eterna e immarcescibile. Ammonimento e sogno, racconto e poesia, incontro e conoscenza, realtà e fuga: l’interpretazione del mondo che si dà nella lettura dei quadri di Ottorino De Lucchi affascina e sorprende, chiede di essere approfondita per essere condivisa, suggerisce una più accurata riflessione dell’oggi, arricchito di molteplici echi del passato.

(La Cronaca di Cremona, 9 Ottobre 2005, p. 32)


Ad un grande maestro

Fu già una zucca, che per vision sublime
di un pero suo vicin, restò di sasso
mirando da lontan l’ultime cime.

Così anche io, miser villan, dal basso
a lui volgo mia penna e l’guardo
e non son degno d’incrociargli il passo.

Fu per timore o forse per riguardo
in guisa tal che poco più è morte
che prima volta arrivai in ritardo.

Io non so ben ridir come fu sorte
che un buon amico mi trascinò da quello
e lui ci accolse e spalancò sue porte.

Ecco m’apparve e scese al mio livello
un personaggio nobile e cortese
e subito mi portò nel suo castello.

In regal sedia le stanche ossa distese
io guardai attorno e vidi belle cose
furon discorsi e furon grandi intese;

poi andammo nel giardin dove le rose
e gli altri fiori sono a lui modello
per il travaglio dell’opre sue maestose.

Lui è stregone assai bravo col pennello
un grande mago con luci e con colore
nella arte rara di fare l’acquerello.

Quei quadri mostrano tutto il suo valore
perchè vivono di aria e trasparenze
sì che non puoi chiamarlo sol pittore.

Alberto Buffetti
Brescia, 5 novembre 2006

 

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